Visicitudes adolescentes

Saoirse Ronan opta al Oscar por su estupenda interpretación en "Lady Bird"

Saoirse Ronan opta al Oscar por su estupenda interpretación en “Lady Bird”

Sigue el goteo de pelis nominadas a los Oscar. Esta semana le toca el turno a “Lady Bird”, comedia dramática que opta a una “manita” de estatuillas y que cuenta la historia de Christine McPherson, apodada como Lady Bird, una adolescente que busca encontrar su propio camino y abandonar los suburbios de Sacramento (California), para conseguir una mejor vida en la costa Este, cerca de la cultura cosmopolita y las universidades de Ivy League. Christine tendrá que superar los problemas con su madre, las dificultades económicas que atraviesa la familia, y sus emociones que están a flor de piel, para poder comenzar una nueva etapa en la universidad. Greta Gerwig (que dirigió hace casi una década “Nights and Weekends”) dirige y escribe la historia de la adolescente Lady Bird. Saoirse Ronan (inolvidable en “Brooklyn” y una de las jóvenes actrices con más talento del Hollywood actual) da vida a la protagonista, con un trabajo espléndido que le valió el Globo de Oro (el filme también ganó como mejor comedia o musical). La moza también opta al Oscar a la mejor actriz, aunque lo tendrá complicado frente a la gran favorita, Frances McDormand. La verdad es que se lo merece.

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Amado monstruo

Amor imposible y fantasía fina en lo nuevo del gran Guillermo del Toro

Amor imposible y fantasía fina en lo nuevo del gran Guillermo del Toro

Elisa Esposito, una empleada de limpieza muda, va a sufrir un vuelco total en su
solitaria existencia. En el laboratorio de alta seguridad donde trabaja
descubrirá el experimento que se realiza con un monstruo-anfibio capturado
en el Amazonas. La Guerra Fría entre americanos y soviéticos está en su
momento más candente y la revelación de tal secreto pondrá en peligro la
vida de la criatura y de la propia joven, decidida a encontrar una vía de
escape para ambos.

Guillermo del Toro es un fabulador en toda regla y en su sentido más amable.
Sus películas se enmarcan dentro del género literario del cuento. No en el
infantil de Perrault, sino en el fantástico e imprevisible de Borges,
cuando lo inaudito fluye naturalmente envuelto en realidad. La puesta en
escena recogida en vestuario, fotografía y música primorosamente escogida
son claves de su cine. Lo ha ido construyendo sólidamente a lo largo de su
trayectoria con películas como “Hellboy”, “El espinazo del
diablo”, “El laberinto del Fauno” o “La cumbre escarlata”. Con “La forma del agua” su ideario llega a su máxima expresión, inyectando al argumento otra
constante en su filmografía: el lirismo.

Estamos pues ante una obra de gran sensibilidad, expuesta a flor de piel
como se expresan sus personajes principales, repleta de capas, cada una de
ellas fabricada con material delicado, frágil y altamente inflamable.
Afortunadamente todo a salvo en manos de un artesano como el director
mexicano. Así lo emocional llama a la puerta de la patata, pero está
justamente contenido, lejos de caer en lo cursi o lo edulcorado. El
romanticismo inunda la pantalla con un amor extraño e imposible, sin embargo
aprobado por incuestionables premisas universales de complicidad sin
barreras, generosidad, ternura y una pureza simbolizada en el acto sublime
de dar la vida por el otro.

Del Toro, ganador del Globo de Oro al mejor director, opta a 13 Oscar con su último filme

Del Toro, ganador del Globo de Oro al mejor director, opta a 13 Oscar con su último filme

Sobre los fundamentos del mundo particular de Guillermo del Toro, emerge un
film de factura clásica, pero ofreciendo detalles que se hubieran ocultado
en el glorioso Hollywood de hace décadas que tanto admira. La violencia y el
sexo son explícitos. La denuncia a la segregación, la marginación al
diferente, la desigualdad y el sometimiento de la mujer también se
subrayan de una época, principios de los sesenta, donde no todo pintaba
de rosa como en el Camelot de los Kennedy era soñado. Así sobrevuela la
lucha por los derechos civiles de negros y homosexuales, incipientes en los
caracteres de la compañera y del amigo de piso de la protagonista. Sutiles hilos
que surgen y enriquecen una madeja central de thriller, trufado de
personajes amenazantes en la sombra y al servicio de países enfrentados en
una carrera frenética por hacerse con el arma definitiva que destruya al
enemigo. Entre ellos uno extremadamente visible, cruel e inhumano,
antagonista de Lisa y auténtico monstruo de la película que nos genera pavor
cada vez que su fría mirada antecede una terrible acción.

El ritmo y el pulso determinante impuesto por el realizador dan espacio para
disfrutar de momentos poéticos y hermosos, así como para apretar los dientes
con los tensos y más emocionantes. El film, compensado y vibrante hasta la
escena final, rodeado de una atmósfera cuidada y subyugante por momentos, se
beneficia de la devoción de su director al cine fantástico y de terror de
los años 50, siendo “La forma del agua” una sui generis, personal y
melancólica segunda parte de “La mujer y el monstruo” (1954).
Todo el grupo interpretativo está a la altura, especialmente la conmovedora
Sally Hawkins en el papel protagonista, quien en su comunicación no verbal y
a través de sus gestos y ojos transmite la verdad del alma
incontaminada, para conectar con la criatura y hacernos creíble la fuerza de
sus sentimientos.

Texto: José María Fillol

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Florida y hermosa

Willem Dafoe, favorito al Oscar como mejor actor de reparto por esta película deliciosamente indie

Willem Dafoe, favorito al Oscar como mejor actor de reparto por esta película deliciosamente indie

Sí, sabemos que este viernes se estrenan caramelos para el espectador como la tercera parte de la dichosa “50 sombras de Grey”, o la nueva de Clint Eastwood, sobre el frustrado ataque terrorista del tren de París de hace un par de veranos. Pero, la verdad, ambas dan bastante pereza, por lo que recomendamos una joya indie como “The Florida Project”, que puede darle un merecido Oscar a Willem Dafoe de una vez por todas. El argumento se centra en la peripecia de Moonee (Brooklynn Prince), una niña que sueña con ir a Disney World aunque lo más cerca que ha estado del emblemático país de los sueños es en un motel de las afueras de Orlando (Florida), llamado Magic Castle Motel. Allí vive con su joven madre Halley (Bria Vinaite), una mujer soltera y a la deriva que se busca la vida siempre al borde de la legalidad. Moonee se pasa el día jugando con su amiga Jancey (Valeria Cotto) en este escenario donde el alcohol, las drogas y la prostitución son el telón de fondo. Lo más parecido que Moonee tiene a un padre es Bobby (Dafoe), el gerente del motel, un hombre cauto y diligente que es un auténtico ángel guardián. Sin duda este promete ser un verano inolvidable para Moonee. Sean Baker (responsable de la aclamada “Tangerine”)  dirige esta dramedia fresca y luminosa que co-escribe junto a Chris Bergoch y donde sobresale un espléndido Dafoe, que tendrá que pelear con Woody Harrelson, Sam Rockwell (ambos por la favorita “Tres anuncios en las afueras”), Richard Jenkins (por la multinominada “La forma del agua”, de la que hablaremos la semana que viene) o Christopher Plummer (el sustituto de Kevin Spacey en lo nuevo de Ridley Scott) para ganar la estatuilla, después de ser candidato por “Platoon” y “La sombra del vampiro”. Se lo merecería, desde luego.

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Mundo muy viejuno

Los cracks de Aardman vuelven a la carga con la divertida "Cavernícola"

Los cracks de Aardman vuelven a la carga con la divertida “Cavernícola”

Aunque el año pasado no fue del todo bueno para la animación (alternando joyas como “Coco” o “Loving Vincent” con bodrios como “La emoji película”), 2018 empieza bien gracias a la factoría Aardman, los geniecillos de plastilina responsables de “Wallace and Gromit” o “Chicken run”, que ahora presentan “Cavernícola”, una descacharrante comedia situada en los albores del tiempo, cuando los dinosaurios y los mamuts lanudos vagaban a sus anchas, un valiente hombre de las cavernas llamado Dug debe unir a su tribu para enfrentarse a un poderoso enemigo, el Lord Nooth, que pretende instaurar la Edad de Bronce. Mientras tanto, inventan de manera inintencionada el fútbol. Numerosos gags visuales, anacronismo inteligente y una técnica de lo más depurada para darle salsa y caña a un argumento siempre eficaz. Aunque, si queremos algo más serio y enjundioso, tenemos “El hilo invisible”, nuevo filme del ambicioso Paul Thomas Anderson situado en el Londres de los años 50, época en el que el famoso modisto Reynolds Woodcock (Daniel Day-Lewis) y su hermana Cyril (Lesley Manville) son el centro de la moda británica con más glamour. Woodcock viste  con su estilo distintivo a la realeza, estrellas de cine y demás damas de la alta sociedad. Las mujeres pasan por su vida sin dejar huella, hasta que aparece una bella y temperamental joven llamada Alma (Vicky Krieps), una camarera que se convertirá en su musa y amante. Sin embargo, la perfectamente estructurada vida de Reynolds se verá alterada por la llegada de la joven, y eso es algo que el modisto no había contemplado. Una peli con clase que, además, es la despedida de uno de los mejores actores de la historia, Daniel Day-Lewis, que podría alzarse con su cuarto Oscar al mejor intérprete si no fuera por Gary Oldman y su Churchill.

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Bad boys

John Boyega, manteniendo el tipo de uno de los filmes del año

John Boyega, manteniendo el tipo de uno de los filmes del año

Buena peli para este fin de semana donde ya empieza a hacer fresquito: “Detroit”, lo nuevo de Kathryn Bigelow, que accedió al olimpo de Hollywood hace unos años con “En tierra hostil” y que, según las críticas, tiene bastantes papeletas para triunfar de nuevo en los Oscar gracias a este thriller turbulento, racial y con mucho componente social. No hay más que comprobar el argumento: en el verano de 1967, la policía llevó a cabo una redada en el Motel Algiers, en la calle 12th Street Riot de Detroit, en el estado de Michigan. Esta incursión policial contra la población negra acabó con la muerte de tres hombres afroamericanos, mientras que otros siete recibieron brutales golpes, así como dos mujeres blancas. Estos sucesos desencadenaron unos violentos disturbios raciales que asolaron la ciudad norteamericana durante cinco días y acabaron con 43 muertos y múltiples daños materiales. Fue uno de los levantamientos ciudadanos más grandes y violentos en la historia de Estados Unidos. Protagonizada por John Boyega, que tantos palos se llevó (merecidamente) en el último episodio de “Star Wars”, y con Anthony Mackie y Algee Smith completando el reparto, el filme ha obtenido el aplauso unánime de la crítica, calificándolo de obra maestra (Rolling Stone), aunque algunos han puesto algún que otro pero en la escasa complejidad mostrada con el gremio policial. De todas formas, dos horas y media de espectáculo a la antigua usanza, algo que, visto lo visto, hoy día no tiene precio.

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Alright, alright…

McConaughey, a la carrera para ganar su segundo Oscar, ¿por qué no?

McConaughey, a la carrera para ganar su segundo Oscar, ¿por qué no?

Cómo nos mola ahora Matthew McConaughey, ¿verdad? Con lo mucho que nos reíamos de sus pazguatadas romanticonas, sus patochadas aventureras (ese “Sahara”, ese “Como locos… a por el oro”) y sus peinados imposibles en “Contact” o “Tiempo de matar”). Y, ahora, todo son reverencias ante el tejano más guay imaginable. Y merecidamente, claro. La suya sí que es una recuperación/reinvención en toda regla, no como otros metidos con calzador y escupidos a las segundas de cambio (¿verdad, Travolta?). Por si alguien duda de su maduración, ojo a “Los hombres libres de Jones”, peliculón de Gary Ross (“Los juegos del hambre”, “Pleasentville”) que narra la historia real del granjero sureño Newton Knight (el gran Matthew) y su extraordinaria revuelta armada contra el Ejército Confederado durante la Guerra de Secesión americana. Harto de luchar por los intereses de los más ricos, Knight desertó, se alió con otros pequeños granjeros y con la ayuda de los esclavos locales, lideró un levantamiento que llevó al Condado de Jones en Mississippi a independizarse creando el Estado Libre de Jones. Su matrimonio con una antigua esclava, Rachel (Gugu Mbatha-Raw), y su posterior construcción de una comunidad interracial, distinguieron a Newton Knight como una luchadora y controvertida figura en el contexto de la Guerra Civil americana. Ojo porque es una de las que empiezan a sonar con fuerza para los próximos Oscar, que ya se sabe que a los yanquis le gustan mucho estas historias (véase “12 años de esclavitud”). Aparte, hoy viernes los estrenos nos traen cosas como la inesperada tercera entrega de “Bridget Jones” (nada que ver con el apellido de la anterior) y un espléndido documental sobre los Beatles que solo va a estar en cartel una semanita. Así que a darse prisa.

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Delicias turcas

Las cinco gracias de "Mustang", huyendo del ogro con bigote

Las cinco gracias de “Mustang”, huyendo del ogro con bigote

Hoy llega a la cartelera una de las sorpresas más agradables del cine europeo de los últimos años: “Mustang”, una delicia turco-francesa dirigida por el primerizo Deniz Gamze Ergüven y protagonizada por un quinteto de muchachas a las que habrá que seguir muy de cerca los próximos años. Un drama con una estética que puede recordar a “Las vírgenes suicidas” pero con un fondo argumental más parecido a “La casa de Bernarda Alba”, ya que se trata nada menos que del encierro doméstico de las sobrinas de un gañán a la vieja usanza para que no se acerquen a ningún mozo en edad de merecer y no cunda el escándalo por el pueblo. Un drama con toques de comedia (algunas escenas son de traca, como la huida a un partido de fútbol solo para chicas como las corridas de Jesulín, con perdón), aunque también con momentos de tragedia, y con una sensibilidad por momentos a flor de piel con olor a salitre mediterráneo. Un filme que se quedó a las puertas del Óscar a la mejor película de habla no inglesa, pero que cazó unos cuantos premios César la mar de merecidos. Además, aún reciente el Día de la Mujer, filmes como estos abren los ojos sobre lo cavernícola de algunos usos y costumbre como el matrimonio concertado a las bravas en países que están apenas a dos horas y pico de avión. Y, por si alguien prefiere una dieta más ligera, recordar que también se estrenan sendas terceras entregas: de la saga “Divergente”, llamada “Leal”, y de “Kung Fu Panda”. La elección, a gusto del consumidor, aunque servidor lo tendría claro.

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Call of Duty Bengasi

Los soldaditos yanquis, antes de empezar a matar libios malos como moscas

Los soldaditos yanquis, antes de empezar a matar libios malos como moscas

Muchas veces no se sabe si estás viendo un videojuego en el cine o jugando a una película en tu casa. Una dicotomía que, se supone, le tendría que venir de perlas a un blog como este, con un ojo en cada orilla. Pero, en realidad, a menudo se impone una leve frustración-tocomocho de estar entre dos aguas, abarcando mucho y apretando bien poco. Aunque tampoco hay que ponerse serio, y eso que respeto y seriedad es lo que inspira la historia de “13 horas: Los soldados secretos de Bengasi”: Libia post-Gadafi convertida en una selva ingobernable (como tantos otros lugares “liberados” por el amigo americano), soldaditos metidos en berenjenales que ni les van ni les vienen, consulados cercados, bases de la CIA ultrasecretas tres cuartas de lo mismo, pepinazos y melonazos cayendo del cielo en bonita pirotecnia… un panorama fetén más digno de cualquier entrega de “Call of Duty”. Con una salvedad: está basado en hechos estrictamente reales, acaecidos el 11 de septiembre de 2012. El encargado de dirigir el pitote no es otro que Michael Bay, de profesión sus transformers, aunque también se ha doctorado en el arte del estruendo y cachiporrazo con cosas como “La roca”, “Armaggedon” o “Dos policías rebeldes” -también dirigió una astracanada como “Dolor y dinero” de la que se le ha quedado su culto por la cacha y la maza que aquí exhiben a porrillo sus poco conocidos protas-. 145 minutos dura el angelito, y la verdad es que no se hacen largos aunque tampoco cortos, vive dios. Todos los topicazos del cine bélico-patriotero se dan cita en fila india, y produce un raro placer comprobar que siguen en perfecto orden. Para los menos adrenalínicos, ojo a otros dos estrenos con bandera irlandesa como “Brooklyn” y “La habitación”, que cuentan con impactantes actuaciones femeninas que pueden amargar la noche de los Oscar a Cate Blanchett y su tercera estatuilla (también sería abusar, ¿no?). Porque el domingo tocan premiecillos de la Academia, sí señor. A ver si ganan DiCaprio y Stallone. El resto, la verdad, me importa un bledo. Y lo anterior también, si hay que sincerarse…

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Amores osos

DiCaprio, con sus heridas bélicas y plantígradas, aunque él como si Juan y Manuela

DiCaprio, con sus heridas bélicas y plantígradas, aunque él como si Juan y Manuela

Iñárritu es un cachondo mental. Ya nos olíamos la tostada cuando participó en aquel documental-homenaje a Bergman donde casi entró en trance sentándose en la silla del tótem sueco, recibiendo un zasca monumental cuando le informaron de que allí no se aposentaba el cineasta ni para cortarse las uñas de los pies. Pero ahora ha dado un paso más, o una pirueta a lo Hugo Sánchez, uno de sus ídolos como nos confesó en una entrevista hace mil años, como todas. ¿No despotricó el año pasado del cine de superhéroes tradicionales al hilo de “Birdman”, y su nuevo filme es precisamente eso? Porque “El renacido” podría ser una versión primitiva, agreste y telúrica de un Ironman con abrigazo de piel o un Mazinger Z al que le rebotan en la armadura todas las adversidades a las que se enfrenta, que son muchas más que las de Bardem en ese engrendrillo de “Biutiful”: al prota le atacan los indios varias veces, un oso le deja hecho trizas literalmente, se despeña por una cascada y por un precipicio (a caballo), lucha a muerte con un tío que le saca un par de cuerpos y, por supuesto, tiene que sobrevivir en lo más crudo del crudo invierno yanqui de comienzos del XIX comiendo hierbas y sushi a pelo y escama. Y el tío, que encima se llama Glass (cristal), como si nada. Olé tú. Será que está ungido de poder sagrado (como se aprecia en una escena de despiporre metafísico y campanada a medianoche) para llevar a cabo la venganza contra su hijo-cordero muerto. El caso es que durante dos horas y media asistimos a un espectáculo que ni la Marvel. Eso sí, con guiños a Kurosawa y Tarkovsky, aunque la referencia más próxima sea un episodio de “Infierno sobre ruedas” también con osos e indios de por medio. Y una fotografía brutal unida al talento como director del cuate (véase la escena incial de la batalla contra los indios). Pero, en fin, “El renacido” quedará como la machada con la que, de una vez por todas, Leonardo DiCaprio cace el Oscar. Ya era hora, sí señor. Y espérate porque está nominada a once más, entre ellos al de mejor secundario a un Tom Hardy imparable. Valor y al oso.

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Forza Italia

Caine y Keitel, espiando por si les salpican algunas gotas de la fuente de la juventud

Caine y Keitel, espiando por si les salpican algunas gotas de la fuente de la juventud

Enero está afilando la guadaña cosa fina, y se está muriendo gente que nunca antes se había muerto, como decía el sabio. Gente poco corriente, o si se prefiere extraordinaria. El último, Ettore Scola, excelente director de joyas como “Una jornada particular”, “La cena”, “La familia”, o su testamento sentimental, “Gente de Roma”, deliciosa, extravagante y altamente recuperable en DVD. Y es que las personas pasan, pero sus obras permanecen. Consuelo que nos queda a los pobrecitos mortales en este mundo que nos va echando a codazos lenta pero indisimuladamente. Ah, Italia, eterna y zarandeada Italia. Es como España, pero con la mafia asumida y hasta ufana, nada de chorizos de provincias dando lecciones de moral y dignidad. Un desahogo que se refleja en su cine y cineastas. Precisamente hoy llegan a la cartelera, como homenaje por azar al maestro desaparecido, los nuevos trabajos de dos de los más aventajados: Paolo Sorrentino y Nanni Moretti. El primero, después de su magistral “La gran belleza”, incide en la poesía de la decadencia barroca con “La juventud”, una reflexión rocambolesca e irregular sobre la vejez y el arte caduco con dos actores de los de caerse los lagrimones: Michael Caine y Harvey Keitel. Y Moretti, el inolvidable Moretti de “Caro diario”, vuelve con “Mia madre”, otro satélite alrededor de la madurez, la enfermedad, la familia y el arte pero con ese sentido del humor y ese vitalismo estoico que le caracterizan. Y con John Turturro también resucitado, buena noticia. Hablando de ancianos, ¿y el viejo Hollywood? Pues eso, pachucho pero intentando mantener el tipo con “La gran apuesta”, un galimatías pintón sobre tocomochos financieros y Robin Hoods con tirantes protagonizada por galanes afeados (Pitt, Bale, Gosling) y nominada a cinco Oscar y tal. Pues eso.

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