Afectados por la plaga

Réplicas de humanos van a poner en jaque nuestra especie tal y como la entendemos.

Tras romper con Irene, los amigos y compañeras de trabajo de Víctor se empeñan en encontrarle una nueva novia. Pero él no quiere olvidarla, incluso cuando aparece Lola. Pero de repente, Irene le llama, nerviosa y le pide ayuda porque la gente a su alrededor se comporta de modo diferente como si hubieran perdido los recuerdos y las emociones. Influenciado por las películas y las series que le han marcado en su vida, Víctor no es capaz de ofrecer una explicación racional a lo que está pasando. Pero, toma fuerzas, decide convertirse en el héroe que nunca fue para Irene e ir a «rescatarla», liándolo aún más cuando sus amigos deciden «ayudarle».

En ocasiones, existe la tentación de convertirnos en una especie de forense desprejuiciado para resolver, suelto de huesos, la causa de una defunción, obviando el trámite profesional de aplicar bisturí al cuerpo. Ocurre con ‘El año de la plaga’, se huele de lejos y nos cuesta meterle mano. A poco que realizamos una mínima incisión en su argumento, algo nos turba los sentidos y buscamos el atajo, cerrar inmediatamente, sin querer saber más acerca de lo que provoca tal efecto, nos basta el indicio.

Si bien el best-seller de Marc Pastor en el que se basa la película no es para Premio Nobel, de la materia prima se podría haber sacado mucho más chicha. Claro, reconvertida en un guión decente y no en un batiburrillo gaseoso de ciencia ficción, terror, humor y romance de medio pelo. Flaco favor resulta el intento de homenaje de ‘La invasión de los ultracuerpos’ -remake setentero del clásico fantástico ‘La invasión de los ladrones de cuerpos-, devenido en chacota desprovista de fuerza. Ni siquiera los más apegados a la cultura popular y al frikismo de pro reconocerán en los diálogos alusivos un mínimo de chispa y frescura.

Parte del elenco principal de ‘El año de la plaga’: Brays Efe, Carlos Martín Ferrera (director) Miriam Giovanelli e Iván Massagué, quien encarna al protagonista del film.

No obstante, el afán de los actores por dotar de sustancia a unos personajes huérfanos en origen da como resultado algunos momentos simpáticos. Y a pesar de que la trama lastra la falta de puntos de conexión, no se le puede negar al director, Carlos Martín Ferrera, que logra inyectarle cierto ritmo y la cámara se mueve rápida para llevarnos de un escenario a otro de la acción, donde se respira intencionadamente a serie B.

Un espejismo en el desierto que nos hace sobrellevar el tiempo de duración del film, apenas hora y media para que al menos se nos haga corta la digestión.

Enemigos de todo pelaje y cómo combatirlos

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Las Hordas actúan de forma sincronizada como un organismo único. Tendrás que disparar, poner trampas y activar explosivos al mismo tiempo en una huida agónica.

Nuestro recorrido por Days Gone continúa. Tercera etapa, esta vez para sumergirnos en la más rica de sus salsas. O sea, la acción descarnada y brutal que debemos protagonizar para salvar el pellejo en un mundo hostil y plagado de enemigos. Activamos el instinto de supervivencia y arrancamos nuestra moto con Deacon en su manillar dándolo todo.

La pandemia global nos acorrala por todos lados y el más claro exponente de sus efectos son los engendros, infectados por un virus que los ha convertido en criaturas monstruosas. Éstas tienen patrones de comportamiento comunes, de tal forma que hibernan, buscan agua y migran en grandes manadas de un territorio a otro. Pero, sobre todo, devoran cuanto humano o animal encuentran a su paso. Generalmente se mueven en grupo, se asientan en nidos extendidos por todo el mapeado del juego, cuentan con una IA que los hace más inteligentes que los clásicos zombis y se comunican e interactúan entre sí. Y ojito, cuando llega la noche se hacen aún más peligrosos. Nada de dormir como angelitos.

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Aparte de dejarte medio sordo, el grito de las Chillonas te los pone de corbata, ya que avisa de tu presencia a mogollón de hambrientos engendros para atacarte en manada.

Los engendros no son todos iguales y los encontramos de varios tipos. Los más comunes son los Zánganos, básicos y moviéndose en grupos pequeños de dos o tres individuos, aunque también se pueden agrupar en masa de cientos para formar las temibles Hordas, actuando de forma perfectamente sincronizada y como un organismo único. Cuando veas venir una horda, a correr y a echar continuamente la vista atrás para disparar y activar todas las trampas posibles antes de que su aliento llegue hasta tu cogote, o peor aún, te cacen y hagan picadillo contigo. También están los Renacuajos, oportunistas e infantiles (antiguos adolescentes), se esconden en la sombra para actuar en solitario de forma rápida; eso sí, sólo atacan si te ven debilitado o invades su espacio. Luego están las Chillonas, quienes utilizan su grito desgarrador para advertir a los enjambres y echártelos encima. Por último, mucho cuidado con los engendros de tamaño agigantado porque como te atrapen sencillamente te machacan.

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Como vemos en la imagen, Deacon St. John no sólo se las verá tiesas con engendros, la mala sangre correrá por la mayoría de los supervivientes humanos.

Vamos, un panorama pa’ cagarse y, ojo, tan solo por parte de los infectados, amén de animales salvajes igualmente aquejados por la pandemia y con la genética depredadora pasada de rosca. Porque de otra parte hay humanos de los que cuidarse, al menos tanto como de los engendros y que, como nuestro héroe Deacon, han sobrevivido… pero con mucha mala baba. La mayoría de los “sanos” bípedos implumes van a querer arrebatarnos nuestros recursos, e incluso intentarán matarnos a las primeras de cambio para quedarse con lo ajeno. No podemos bajar la guardia en ningún momento ante las cinco grandes bandas que pugnan por imponer su ley y con las mismas intenciones de despellejarnos vivo. Hasta será preferible invertir las tornas e ir a liquidarlos en sus campamentos utilizando el sigilo o directamente sacando a relucir arsenal y pirotecnia detonadora. No obstante, la dinámica de ocasionales narrativas emergentes, que de forma inesperada debemos protagonizar, nos obligará a ello. Así, toda aportación a nuestro manual survival será bienvenida para superar el camino sembrado de minas del postapocalíptico Days Gone: suministros, armas (de fuego y blancas, pasando por ballestas o cócteles molotov para dispersar a las hordas), recursos para la reparación y mejora de éstas, incluyendo crafteo, y crear medicinas para no sucumbir a la muerte. También interactuar con el entorno, básico, y con nuestra moto, pieza clave en el indómito devenir.

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La moto hay que cuidarla y mimarla al máximo por ser la mejor aliada. Además de nuestro medio de transporte, sobre su «montura» es la mejor forma de salir pitando en situaciones extremas.

Frente a locura y la desesperación la moto será nuestro mejor aliada. Por eso debemos tenerla a punto, rellenar su tanque de combustible cuando sea posible, mejorarla en los talleres encontrados en los campamentos. En definitiva, cuidarla y mimarla, porque como nadie nos salvará de las situaciones más extremas. Además, no sólo es un medio de transporte, sirve igualmente de punto de control móvil de la partida, antes de que los engendros, que están por todas partes, nos fastidien nuestro sufrido progreso. A propósito, y lo habrás deducido ya, el sistema de progresión es de lo más cuidado en el juego, el cual nos permite mejorar la resistencia o la salud del héroe, así como desbloquear otros parámetros gracias a la experiencia y nivel obtenidos.

Lo dicho, hay que echar mano de todo el manual survival para superar la presión extrema a la que nos somete Days Gone. Oye, y encantados de la vida.

Hasta el próximo capítulo.

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Lucha a borbotones

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Más grande, más espectacular y más accesible. Mortal Kombat 11 hace todo mejor que su antecesor, y mira que aquel era ya bueno.

Apenas han pasado cinco meses desde su anuncio, pero Mortal Kombat 11 ya es una realidad. Tras la sobresaliente entrega anterior, los chicos de NetherRealm se tomaron un respiro de su franquicia estrella para dedicarse a programar y promocionar Injustice 2, que tuvo una importante presencia en diferentes torneos de deportes electrónicos. Mientras que Mortal Kombat X presentaba a la perfección los puntos fuertes de la franquicia, esta última entrega es capaz de mejorar lo que ya existía.

No se trata tanto de una revolución como de una evolución. Esto significa que hay personajes que regresan después de muchos años, nuevos movimientos, más opciones de personalización. Las personalizaciones de los luchadores ya no son solo estéticas. Hay objetos que pueden producir cambios en la jugabilidad, por lo que el juego incluye al menos tres modificaciones por personaje que podrán utilizarse en partidas multijugador, para que todos los usuarios jueguen en igualdad de condiciones.

Una de las primeras cosas que llaman la atención es cómo han refinado el apartado técnico. Por descontado que tiene contenido para mayores de edad, pero al mismo tiempo es bellísimo. Si miras las expresiones faciales, el trabajo de los desarrolladores ha sido brillante, porque se notan todas las emociones de los personajes ya sean de dolor, alegría o el carácter desafiante. Han pasado cuatro años desde que se lanzara MKX y se nota. De hecho, Mortal Kombat 11 utiliza un motor gráfico renovado, y hasta en la versión de Switch -sin ningún tipo de censuras- el juego luce espectacular.

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Los niveles de gore le pueden traer algún problema entre aquellos usuarios que no estén familiarizados, pero el juego es excelente.

La ultraviolencia es algo que no podemos dejar de mencionar. El gore, que tantos quebraderos de cabeza le han dado a la saga en el pasado, lo han llevado a límites inimaginables. Con mucho, es la entrega con más ríos de sangre, corroborado por las propias palabras de sus creadores. Y no mienten. Los famosos fatalities hace tiempo que dejaron de ser noticia, y los programadores se pasan tanto de rosca en algunos movimientos que consiguen hacer que parezcan hasta cómicos. Pero hay que avisar que gracias al poderío técnico de MK11 permite un nivel de detalle impresionante en el más estricto de los sentidos, por lo que los estómagos sensibles deberían abstenerse de echar unas partidas.

Las torres de desafíos que se estrenaron en Mortal Kombat 3 vuelven a hacer acto de presencia. En MKX se las conocía como Torres Vivas, pero ahora se denominan Klassic Towers y Towers of Time. Su diseño es muy similar al de los desafíos de Injustice 2, pero permitiendo acceder a ellos por vías distintas que mejor que descubras por tu cuenta.

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La saga de lucha sigue innovando a pesar de los años que lleva en activo, cambiando sus mecánicas para atraer a nuevos jugadores.

Otro de los cambios más importantes en la nueva entrega de la serie de lucha es su interfaz y la distribución de barras de energía. Divide los medidores en dos barras distintas: Ofensa y Defensa. La barra de vida permanece igual, pero ahora permite activar el mecanismo Fatal Blow, que destaca bajo el interfaz y recuerda al jugador cuándo puede activar este golpe, un sistema muy parecido al visto en los primeros Samurai Shodown. Los medidores de Ofensa y Defensa determinan cómo funcionan los ataques especiales y los movimientos defensivos sin afectar el uso de unos al de los otros. Permite planificar mejor los combates, cambiando la estrategia según nos parezca.

Con cerca de tres décadas a sus espaldas, Mortal Kombat es una de las franquicias de lucha que mejor han sabido adaptarse a los tiempos en los que vive. Más allá de apalancarse en una fórmula de éxito, los programadores han apostado por nuevas formas de afrontar cada entrega, y MK11 es el mejor ejemplo. De hecho, puede que se trate del mejor capítulo en la historia de esta saga.

Texto: CARLOS GONZÁLEZ

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Historia para disfrutarla a sorbos

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Sarah y Deacon en los tiempos felices. Y cuanto más acelero, más calentito me pongo…

Los días pasados, aquellos cuando los brazos de su chica lo rodeaban mientras dirigía su moto contra el viento fresco de una naturaleza libre. Esos días, ya no volverán… definitivamente. Que suene el rock ‘n’ roll, que no pare la música ni el baile maldito de cientos, que digo, de miles de freakers/engendros, de humanos con mil aristas y tan poco fiables como un mono con una cuchilla de afeitar, de animales salvajes más salvajes de lo habitual y mutantes. El mundo contra Deacon St. John, así de tiesas se las verá el protagonista y héroe de Days Gone, mientras “cabalga” sobre su moto hacia un destino incierto en una lucha por la supervivencia única.

En el mundo caótico y frenético de Days Gone la historia bruñida por Ben Studio trasciende mucho más allá de ser otro juego de apocalipsis zombi. No obstante, al estudio de Oregón, autores de la serie Syphon Filter y de las aventuras de Nathan Drake en PS Vita, le gusta trabajar la narrativa con esmero, a base de intriga con ricos matices y dosificadas raciones de información para atrapar al jugador. Así nos ocurre poco a poco con lo que pasa por la cabeza de Deacon, lo que siente, los recuerdos que atormentan su corazón tras la pérdida de su mujer a causa de la pandemia global dos años atrás, cuando todo comenzó. Una personalidad que guarda sorpresas tras la fachada de mercenario cazarrecompensas y que no desentrañaremos en su totalidad hasta finalizar el juego. Si bien los precedentes de su pertenencia a una banda motera son conocidos pronto, todo lo demás en su ruta por salvar el pellejo nos va salpicando en el camino y sacudiéndonos continuamente como si estuviéramos en una montaña rusa y sin previo aviso. Hasta habrá que tragar sapos y ceder a la coacción para poder recuperar nuestra moto, realizando peligrosas misiones al servicio de algún canalla sin escrúpulos. Porque si algo debemos cuidar y necesitamos como agua es nuestra moto, ese otro “protagonista” con el que creamos un vínculo especial de interacción cual amo con su caballo. Así, debemos cuidar, alimentar de “gasofa” y mejorar nuestra querida montura de dos ruedas.

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Boozer y Deacon, dos en la carretera para afrontar los peligros del mundo postapocalíptico.

Todo está perfectamente guionizado en Days Gone, lo cual no quiere decir tener un desarrollo predeterminado y puramente lineal. Es más, los chicos de Ben Studio se han preocupado de implicar a los jugadores en el devenir de los acontecimientos con el peso de sus decisiones. Habrá momentos en los que debemos sopesar y valorar nuestras propias actitudes en la piel de Deacon, por ejemplo, en la forma de relacionarnos con quien es nuestro compañero de correrías motorizadas, Boozer. Incluso se plantea la tesitura de progresar en el juego a riesgo de traicionar la lealtad para con un amigo fiel. Tomar una postura u otra determina la distinta evolución en el juego.

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La inspiración zombi de “The Walking Dead” y “World War Z” es evidente en Days Gone.

La línea argumental de Days Gone es un sinuoso viaje por recorrer y gozar bajo la influencia “The Road” de Cormac McCarthy con unas gotas de “El halcón callejero; con inspiración zombi hundida en “The Walking Dead” y “World War Z”, como confiesa John Garvin, director creativo del proyecto; iluminado por la luz errante de “Sons of Anarchy” en la creación del protagonista. Acaso en el espíritu libre de Deacon St. John hallamos la esencia de la historia que tan estupendamente sintetiza Jotacé en su artículo de Megaconsolas nº147 -no dejes de pillarte la revista en El Corte Inglés- “enfrentado a la desesperación, la pérdida, la locura, la traición, la amistad, la hermandad, el arrepentimiento, el amor y la esperanza, intentando encontrar una razón para vivir ante circunstancias tan adversas”.

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Amor y traición de posguerra

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La pasión entre un alemán y una inglesa nace entre las ruinas de la posguerra

El día que vendrá está ambientada en la Alemania de la posguerra de 1946. Rachael Morgan (Keira Knightley) aterriza en las ruinas de Hamburgo en pleno invierno para reunirse con su marido, Lewis (Jason Clarke), un coronel británico que recibe la misión de reconstruir la ciudad destruida. Pero cuando van a mudarse a su nueva casa, Rachael descubre con asombro que Lewis ha tomado una decisión inesperada: compartirán la enorme casa con sus antiguos propietarios, un viudo alemán (Alexander Skarsgård) y su atormentada hija. En esta atmósfera cargada, la hostilidad y el dolor dan paso a la pasión y la traición.

Entre vencedores y vencidos, entre las secuelas del mayor conflicto que ha sacudido el mundo y la reconstrucción para una nueva época, entre el amor y la pasión, entre la pérdida irrecuperable y la esperanza de recuperar el tiempo perdido. Estamos ante un drama romántico clásico, insertado en el panorama desolador del rastro y los efectos de la guerra que el director, James Kent, ya visitó en Testamento de Juventud. En esta ocasión, se vale de la estupenda fotografía de Franz Lustig para recoger el desasosiego que vive un matrimonio aparentemente estable, pero en el fondo tan en ruinas como la ciudad que les ha tocado vivir en el período más difícil de su relación. Kent logra exponer a luz los estados de ánimo, cómo la pareja afronta de manera distinta el dolor de una herida abierta, anestesiada de una parte por un romance inesperado al mismo tiempo inevitable. Pero es en la continuidad y la justificación del triángulo amoroso donde la debilidad del argumento se hace patente. Cruje al parecer forzado, la chispa inicial de la pasión pronto deja de tener recorrido al mostrarse contradictorio y sus conexiones emocionales pierden justificación. La química entre la esposa rechazada por la frialdad del marido y el atractivo “refugiado” alemán se va diluyendo como azucarillo en agua. Finalmente, lo que parecía iba por buen camino, resulta previsible y lastra un desenlace más acorde con el impecable diseño de producción.

En cualquier caso, el film tiene ritmo, cuenta con interesantes elementos argumentales -la subtrama de la resistencia nazi-, y el envoltorio en general luce gracias a un estimable academicismo formal con escenas emotivas, como el “Claro de luna” al piano, interpretado a seis manos entre Rachel, su amante Lubert y la hija de éste.

Texto: Sandra S. Gervassi

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Con sus protagonistas, antes de After

Josephine Langford y Hero Fiennes Tiffin, pareja protagonista, junto a la autora de los libros de After

Josephine Langford y Hero Fiennes Tiffin, pareja protagonista del film, junto a Anna Todd,  la autora de los libros de After

Ya llega a los cines After. Aquí empieza todo. La adaptación a la gran pantalla del fenómeno literario juvenil se estrena este viernes para locura de sus fans. Estuvimos con la autora de la trilogía y con la pareja protagonista del film. Texto: Macarena F. Salinas.

El amor entre Tessa y Hardin ha cautivado a cientos de miles de jóvenes lectores en todo el mundo, sobre todo a las lectoras. Dos polos opuestos al principio chocando entre sí y luego rendidos a una atracción mutua imparable y de alto voltaje que deben superar barreras y miedos personales. Cuando la escritora Anna Todd decidió darle la forma definitiva, parte de la obra ya era un éxito en internet a través de la comunidad de lectores de Wattpad.

En la novela el aspecto sexual es más explícito, en la película es más comedido.

Anna Todd. Es cierto, en el filme hay menos sexo, pero debíamos elegir entre centrarnos en éste o en el argumento. Obviamente la apuesta fue por lo segundo. Y es que en la obra literaria la forma en cómo se expresa y habla Hardin es muy diferente. Él puede ser muy sexual y funcionar bien en las páginas del libro, de tal forma que cada lector lo asimila a su manera. Pero si lo reproducimos en alto no es lo mismo, por eso en la pantalla debía presentarse al personaje de forma distinta.

-¿No obstante, no cree que este conservadurismo en la película puede decepcionar a los fans de los libros?

Habrá quienes querrán más sexo, otros menos, pero pienso que se ha encontrado un buen equilibrio en todas las escenas, que son muy bonitas. Además, hay diferentes formas de ser sexy y no tiene por qué se explícito, ni mostrarse claramente en imágenes o a través de un lenguaje directo. Para mí, la escena más intensa de la película es un beso.

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La pulsión sexual entre Hardin y Tessa es de alto voltaje

-¿Josephine, llegaste a sentirte en algún momento incómoda en las escenas más “hot” con Hero/Hardin?

Josephine Langford. No, porque lo lógico en esa situación era tener muchas escenas íntimas. No obstante, digamos que tuvimos un período de adaptación y cuando llegó el momento de realizarlas estuvimos muy cómodos el uno con el otro, también con todo el equipo de rodaje.

… Y ROMANCE

 -El film tiene mucho romanticismo y el protagonista masculino es un apasionado de las obras de Jean Austin y Emily Brönte ¿Leíste a estas autoras para meterte más en la psicología de Hardin?

Hero Fiennes Tiffin. (duda y sonríe al mismo tiempo antes de confesar su “pecado”…) Bueno, no he llegado a leerlas, la verdad. Pero sí he conocido todas las partes de las obras mencionadas en el filme que tenían que ver con mi personaje y su lado más romántico y sensible.

 -La forma de comunicarse entre los personajes es relevante en la película, pero también prosigue de forma particular fuera de la pantalla en el mundo real a través de las redes sociales. ¿De qué manera?

JL. Los personajes de After tienen perfiles en redes sociales con el rostro de los actores, donde conocemos de sus particularidades como prototipos de ficción y es una vía continua de comunicación con los fans. Los actores no administran estos perfiles, pero hay algunos como Inna Sarkis y Pia Mia (Molly Samuels y Tristan en la película respectivamente) que están encima y dan su parecer sobre lo que se comunica de ellos.

 -¿Por qué se eliminó el personaje de Zed en la película, cuando en la novela tiene cierto peso?

AT. Hay que pensar que cuando estas viendo durante una hora y cuarenta y cinco minutos a Tessa, su novio Noah y luego a Hardin, si añades otro personaje son ya demasiados en un periodo de tiempo tan corto. Me encanta Zed, pero no quería que Tessa estuviera con tantos chicos diferentes, quería que la película dijera mucho de ella, centrarme realmente en su personalidad, en su inteligencia y en su relación con Hardin. Otro personaje hubiera desviado la atención, al menos en la primera película. Por eso decidí no incorporarlo, aunque pienso compensarlo más adelante.

-¿La autora de los libros se quedaría con algún personaje de la pantalla por ser el que mejor se ha reflejado?

AT. No puedo elegir uno en concreto, es difícil responder para mí. Tessa, Carol, Noah… Hardin también queda bien reflejado, en una versión diferente, aunque su esencia sigue. Quizás Landon, el hermanastro de Hardin, es el que mejor se ha trasladado desde las páginas del libro.

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Sobre todo ellas, las lectoras de After, las más apasionadas por ver la película

 -¿Y ahora, con After. Aquí empieza todo, pensáis que al igual que ha ocurrido con otros actores jóvenes, con sagas juveniles como Crepúsculo o Los juegos del hambre, vuestras carreras se van a proyectar hacia el éxito?

HFT. (sonrisas y miradas cómplices intercambiadas con Josephine…) Bueno, tendremos que ver cómo funciona la película. Desde luego esperamos que sea un éxito, asimismo sea un antes y un después en mi carrera. Para empezar ya me ha ayudado mucho.

Con pelis para alimentar una nueva saga cinematográfica en el horizonte, no es difícil adivinar que al menos en el corto plazo a la pareja de guapos le va a ir muy bien. Ídem a la escritora, dándole a la palanca de la maquinita para hacer caja con los derechos de autor. Lo veremos.

Texto: Macarena F. Salinas.

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¿Podrás perdonarme algún día?

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Los perdedores Jack Hock (Richard E. Grant) y Lee Israel (Melissa McCarthy) unidos por el trapicheo y el engaño.

La vida calamitosa de Lee Israel está a punto de llegar a su punto más infame. Quien fuera una escritora de biografías de cierto éxito se encuentra abandonada por su editora y sumida en el olvido perenne. Tampoco es capaz de adaptarse a trabajos de poca monta, a pesar de su acuciante necesidad económica. Solitaria y dada a la bebida, solo está acompañada por su gato. Un mal día decide escribir misivas falsas como si hubieran sido redactadas por reputados autores, para venderlas luego en el lucrativo círculo del coleccionismo. El fraude será su modus vivendi a partir de ese momento al tiempo que mantiene una extraña amistad con Jack Hock, un tipo decadente de espíritu libre que se cruza en su camino.

Sorprende la directora Marielle Heller con un drama basado en las propias vivencias de la protagonista y que esta misma recogió en un libro superventas. En “¿Podrás perdonarme algún día?” los hechos reales son presentados con laconismo y amargura simultáneamente, aderezados con buenas dosis de sarcasmo. Ante la cámara, la realizadora abre un particular manual de supervivencia, indigno, no cabe duda, pero impregnado de un existencialismo demoledor en función del cual justifica la existencia humana por encima de su esencia. Cuando en barrena cae la vida de Lee, pervertir su talento será la única alternativa para salir del pozo. A riesgo en todo momento de ser ‘cazada’ por el FBI y sometida al peso de la ley por cometer un delito, el instinto subjetivo sobrevolará la moral objetiva de la sociedad. No obstante, el film no conduce tendenciosamente a empatizar con el personaje ni a un juicio de valor, se mantiene neutro al exponer el conflicto personal y es honesto en relatar las circunstancias.

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Lee Israel se las compuso en sus falsas cartas para imitar el estilo de reputados autores.

Despunta con luz propia la actuación de Melissa McCarthy. Acostumbrados a verla en papeles cómicos, su retrato de Lee Israel tiene corazón y piel auténticos. Por momentos nos conmueve esa alma en pena que intenta salir a flote de una vida fracasada de autoengaños y amores fallidos. McCarthy transmite con increíble solvencia el peso de los errores pasados que lastra el hosco personaje, generando en el espectador un sentimiento ‘oxímoron’ hacia él, de quien acompaña a un ser querido por sus pasos perdidos sin justificar ninguno de ellos.

En pugna con el patetismo de Lee está el amigo, aunque a un nivel superior. Un perdedor atado a una realidad anárquica y viciada, sin un lugar definido donde caerse muerto. Jack Hock es un ejemplo de epicureísmo autodestructivo sin mediar la inteligencia en la búsqueda de los placeres, encarnado de forma espléndida por el veterano Richard E. Grant. Así la pantalla se llena de dos actores dando su mejor versión en un tour de force interpretativo impagable.

“¿Podrás perdonarme algún día?” saca a la luz no sólo los sentimientos más profundos escondidos en el interior de la protagonista, también reflexiona a través de lo que Lee experimenta en relación a su mundo inmediato. Así, la película es eficaz a la hora de mostrar los efectos de una marginación urbana solapada y los de la crisis creativa ante la página en blanco que aquejan los escritores huérfanos de musas ‘soplándole’ al oído (solo la inspiración llega a la protagonista al meterse en la mente de Noel Coward o Dorothy Parker). Curiosamente, Marielle Heller ha pintado un minimalista cuadro costumbrista a través de los ojos de una figura nada heroica, sin embargo, con fuerza para tocar la puerta de nuestra sensibilidad.

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  • Los nombres de los ganadores serán publicados en https://www.facebook.com/ClubMegaconsolas/ una vez realizado el Sorteo el día 22 de marzo. El videojuego será enviado al ganador una vez publicado su nombre y por correo postal certificado.
  • Los datos de carácter personal serán incorporados a un fichero de datos cuyo responsable es Rumbo Press, S.L, con domicilio en C/Sorozabal 72, 19200-Azuqueca de Henares, CIF:B19285170. Los datos serán utilizados exclusivamente para la gestión de la participación del Sorteo. Estos datos se tratarán confidencialmente y de acuerdo a lo establecido en el Reglamento (UE) del Parlamento Europeo y del Consejo de 27 de abril de 2016, de modo que los usuarios podrán acceder, rectificar y cancelar sus datos así como ejercitar sus derecho de oposición dirigiéndose a megaconsolas.revista@rumbopress.com
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Ya disponible la expansión Sol y Luna-Unión de Aliados del Juego de Cartas Coleccionables Pokémon

8127782c-eda1-484d-958d-9a564d1c31ecLa nueva expansión Sol y Luna-Unión de Aliados del Juego de Cartas Coleccionables Pokémon ya está disponible en todo el mundo. Cuenta con paquetes de mejora, barajas temáticas y colecciones especiales, e incorpora por primera vez las esperadas cartas de equipos de RELEVOS, entre los cuales los dinámicos Pikachu y Zekrom-GX y Eevee y Snorlax-G van hacer las delicias de los fans

Los equipos de RELEVOS de Pokémon-GX llegan con una nueva mecánica de juego que ofrece emocionantes combates de alto riesgo y grandes recompensas. Estas cartas tienen una potencia y unos PS sin precedentes, pero, si un equipo de RELEVOS queda Fuera de Combate, el rival coge tres cartas de Premio.

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IMG_1615Todas estas explicaciones fueron conocidas en el transcurso de la presentación que tuvo lugar este pasado viernes en el lúdico local OhMyGame, en Madrid, a cargo de la youtuber Gaiastorm TCG. Posteriormente, entre hamburguesas y refrescos, los asistentes pudieron disfrutar de una amena partida con cartas reales mientras expertos en la materia, invitados al evento, los asesoraban y animaban a seguir posteriormente las partidas de forma online.

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La expansión Sol y Luna-Unión de Aliados incluye:

  • Más de 180 cartas
  • 6 equipos de RELEVOS de Pokémon-GX completamente nuevos
  • 6 Pokémon-GX más
  • 4 cartas de Estrella Prisma
  • Más de 25 cartas de Entrenador

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Duelo de víboras

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Olivia Colman se postula al Oscar por dar vida a la reina Ana de Gran Bretaña

Inglaterra disputa con Francia la hegemonía en el mapa mundial de principios del XVIII. El trono lo ocupa la reina Ana, una monarca volátil y delicada de salud que delega en su más cercana amiga Lady Sarah las labores de gobierno. Esta intimidad empezará a resquebrajarse cuando aparece en escena la nueva doncella, Abigail, dispuesta a recuperar sus raíces aristocráticas gracias a un carisma hipnótico y a su falta de escrúpulos. Un duelo descarnado se producirá en palacio y en medio del mismo estará la Reina, debatiéndose entre la fidelidad conocida y los nuevos afectos.

La corte británica de hace tres siglos es el marco suntuoso de «La favorita», una producción de época dirigida por el inclasificable Yorgos Lanthimos (“Canino”, “El sacrificio de un ciervo sagrado”). El realizador griego, dado a los excesos -entre la genial originalidad y la extravagancia más desconcertante- pone el ojo de pez en una revisión histórica sui generis de la reina Ana. Una figura de relieve por ser la última testa reinante de la dinastía Estuardo, la primera soberana de Gran Bretaña con Inglaterra y Escocia bajo una misma corona, y quien infructuosamente apoyó al archiduque Carlos en La Guerra de Sucesión Española, ya que el francés Felipe V, auspiciado por su abuelo Luis XIV, finalmente se llevó el gato al agua. Pero eso es la Historia, y de Ana lo que menos interesa a Lanthimos es su protagonismo en los anales; el rigor y la verdad de los acontecimientos pasan a un segundo plano. De la mujer le atrae indagar en su pálpito personal, en los recovecos de su interior, para presentarla en pantalla como su reina, aquejada de vulnerabilidad, caprichos y maleable carácter a pesar de su fuerte temperamento, rendida tanto al devaneo sexual como al dolor de la gota y de la erisipela.

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La ambiciosa Abigail no cejará en su empeño de ser la favorita de la reina

Pero, sobre todo, Ana (Olivia Colman) es el campo de batalla donde de un lado y de otro constantemente caen las balas de cañón de dos arpías, la todopoderosa duquesa de Marlborough (Rachel Weisz) y su advenediza prima Abigail (Emma Stone), disputándose el favor real. La enorme soledad de la reina se convierte en el espacio a defender con uñas y dientes u ocupar a toda costa, entre quien supone el establishment pasional (en paralelo, pulsando los resortes del poder) y la que llega dispuesta a derribarlo y usurpar el corazón de su majestad, para recuperar de la añoranza y la necesidad un estatus perdido. El engaño, la treta, la simulación, la manipulación, la hipocresía, la falsedad usados como armas en un duelo fascinante de lenguas viperinas. Los diálogos en boca de los personajes son tan inteligentes como corrosivos, a veces hasta procaces y provocativos para que el espectador no pierda detalle de la dimensión feroz de la lucha de barro femenina, convertida en una suerte de sucio arte en plena corte.

La pugna con su prima le costará a Lady Sarah algo más que un disgusto

La encarnizada pugna con su prima le pasará factura a Lady Sarah

Lanthimos se siente cómodo despellejando el alma humana, sacando a la luz su parte más oscura, aireando el hedor que lastran la soberbia y la ambición desmedida. A tales fines dedica su lectura del lenguaje cinematográfico y le saca jugo. La cámara taladra la mente de los personajes en los primeros planos. Las tomas amplias muestran una vida palatina frívola y sobresaltada por los acontecimientos en Europa. Con los grandes angulares recoge la atmósfera depresiva de la soberana, rodeada de conejos y de sus fantasmas (diecisiete hijos murieron antes de cumplir dos años…). Acude también magistralmente a la “iluminación” de los susurros y secretos entre velas, asimismo a una banda sonora de escasas notas y penetrante, como extraída de una pieza dodecafónica generadora de ansiedad. Es la tensión el elemento sustancial en la película, cargado por la ira y el desprecio mutuos entre la maestra de títeres y la aventajada alumna decidida a sacrificar lo bueno por algo mejor: la caza mayor es la Reina. Esa misma tensión se traslada sibilinamente al terreno político del momento. La toma de partido por los tory o los whigs, en contra de la guerra o a favor de mantenerla, es un telón de fondo magnífico para proseguir las hostilidades entre enemigas irreconciliables.

En “La favorita” el elenco protagónico lo es todo, sí, bajo la batuta de Yorgos Lanthimos. Las tres actrices están soberbias, sin duda, pero nada escapa de la mirada maliciosa del director, de su intuición y del sello intransferible de sí mismo en cada escena. Así el drama está marcado por un estilo de hacer cine sin concesiones a la galería y con las cartas sobre la mesa. Asumirlo como premisa, merece el riesgo.

fatalityw FATALITY WESTERN es colaborador oficial de CLUB MEGACONSOLAS (sí­guenos en Twitter Facebook).